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La Photographie Impressionniste au Vietnam

Réhahn a toujours été inspiré par la force tranquille de la nature. Avant de déménager au Vietnam, il a grandi le long de la côte normande en France ; passant souvent ses vacances d’enfance à Honfleur, berceau de l’impressionnisme.

Honfleur, où l’artiste possède désormais une maison, a inspiré des maîtres impressionnistes tels que Claude Monet, Alfred Sisley et leur mentor Eugène Boudin, entre autres.

Les impressionnistes se préoccupaient d’étudier les effets de la lumière et de la couleur à l’air libre. Leurs œuvres révolutionnent le style de l’époque et modernisent l’art de la peinture avec émotion et fluidité.

Les photographies récentes de Réhahn de Hoi An, au Vietnam, sont un clin d’œil à l’esthétique adoptée par les peintres impressionnistes et post-impressionnistes. Des lignes douces d’une image reflétée dans l’eau aux tons vifs des paysages pastoraux, des photographies telles que « Echo », « Impression » et « Golden Field » s’inspirent de l’harmonie et de l’esprit éphémère de la nature, des valeurs chères aux  impressionnistes.

Lisez la suite pour en savoir plus sur l’histoire de l’impressionnisme et sur la façon dont il inspire encore les artistes contemporains à ce jour.

L’histoire de l’impressionnisme dans les beaux-arts

L’impressionnisme a commencé en France à la fin des années 1800. Alors que les lignes douces et le sujet des peintures impressionnistes peuvent ne plus sembler rebelles maintenant (par rapport à l’explosion du post-modernisme qui a suivi), ils ont été jugés radicaux au XIXe siècle. À l’époque, l’Académie des Beaux-Arts, une association d’art académique à Paris, fixait les règles de ce qui était considéré comme acceptable dans l’art français. Le réalisme et les sujets classiques étaient les normes. En revanche, les impressionnistes étaient considérés comme stylistiquement « bâclés » ou inachevés. Pourtant, ce manque de détails exacts était exactement ce que recherchaient ces peintres.

Avec l’avènement de la photographie en tant que forme d’art et sa capacité inhérente à recréer des images avec un réalisme parfait, il n’y avait plus le même besoin de portraits commandés et d’authenticité simplement pour la représentation. Les peintres ont commencé à chercher de nouvelles façons de représenter le monde.

Les impressionnistes étaient principalement préoccupés par la façon de réfléchir sur leur environnement d’une nouvelle manière. Ils ont étudié les effets de la lumière naturelle et comment elle transformait le monde à mesure que le jour montait et déclinait et que les saisons changeaient.

L’invention du tube de peinture en 1841 donne aux artistes la nouvelle liberté de sortir de leurs ateliers pour peindre en plein air avec des couleurs toutes faites. Ce style Plein Air leur a permis de créer rapidement des études de leur sujet au fur et à mesure que la lumière changeait. Ce concept était révolutionnaire à l’époque en raison du changement marqué de styles et de techniques que la peinture en plein air a produit.

Les impressionnistes ont cherché à capturer l’interaction de la lumière du soleil et de la couleur en peignant le plus rapidement possible avec moins d’adhésion que pour la création d’une réplique exacte d’une scène.

Monet Rehahn impressionist photography
John Singer Sargent (1856-1925) Claude Monet Painting by the Edge of a Wood

L’accent mis sur des couleurs plus vives et des coups de pinceau rapides a donné lieu à des œuvres qui évoquaient l’émotion à travers le mouvement et la forme plutôt que les récits historiques et mythologiques qui étaient populaires à l’époque. Ces peintures étaient intentionnellement destinées à être des impressions de ce que l’artiste avait vu.

Les impressionnistes ont également été influencés par l’afflux soudain d’objets japonais qui sont entrés en France lorsque le commerce a été réintroduit entre les deux pays.

En 1867, le Japon a organisé sa première vitrine d’art et d’artisanat en France lors de l’Exposition Universelle de Paris et de nombreux styles jusque-là inconnus en Europe sont devenus le summum du style. Cela comprenait l’utilisation de perspectives étroitement recadrées sur des objets ou des sujets, comme dans les travaux d’impression japonais. Ukiyo-e, qui se traduit vaguement par « images du monde flottant », était le nom des gravures sur bois japonaises qui étaient populaires pendant la période Edo du pays (1615-1868). Ils étaient peu coûteux à fabriquer et relativement faciles à reproduire, ce qui en faisait l’une des premières formes d’art produites en série dans le monde de l’art. Cela a également fait de l’ukiyo-e un produit d’exportation naturel vers l’Europe.

Degas et Monet, impressionnistes, et Van Gogh, post impressionniste, affectionnaient particulièrement le style. De nombreux portraits de Van Gogh utilisent une mise en page étroitement recadrée pour ajouter de l’émotion et du style à ses compositions. Il aimait aussi emprunter certaines textures et motifs à l’art japonais.

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Le Portrait du Père Tanguy (1887) de Vincent van Gogh montre un Européen assis devant un mur recouvert de motifs traditionnels japonais.

Les peintures de Degas s’alignaient souvent sur le thème japonais traditionnel de la vie quotidienne féminine dans l’art.

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« The Tub » d’Edgar Degas (1886) et une estampe anonyme d’ukiyo-e qui a peut-être inspiré le tableau.

Le pont japonais de Monet au-dessus de son étang aux nénuphars présente également des similitudes évidentes avec les gravures sur bois japonaises populaires.

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« Le pont japonais » de Monet
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Une impression japonaise traditionnelle d’un pont au-dessus d’un étang de Koi.
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Hoi An’s iconic Japanese Bridge

Cette perspective qui est devenue si populaire à la fin des années 1800 reste aujourd’hui une technique de composition importante dans l’art contemporain et la photographie.

L’impressionnisme et la photographie se sont très tôt croisés puisque la première exposition des oeuvres de ces peintres novateurs a eu lieu à l’atelier du photographe portraitiste Félix Nadar en 1874. La plupart des oeuvres présentées avaient été rejetées par l’Académie, mais elles comprenaient des peintures de certains des artistes les plus importants de l’histoire de l’art selon les normes d’aujourd’hui – Monet, Sisley, Degas, Renoir, Cézanne, Cassatt et Pissarro, pour n’en nommer que quelques-uns. Même si le nouveau style de peinture a été moqué par les critiques, il a rapidement trouvé sa place permanente dans l’histoire de l’art.

Plus qu’une simple technique, l’impressionnisme était une révolution, une philosophie, un mouvement et un recul par rapport à l’industrialisme de l’époque.

Impression by Rehahn
“Impression” Hoi An, 2020

Les photographes ont également adopté le style grâce à l’utilisation de techniques de lumière adoucie et de flou. Plusieurs des photographies récentes de Réhahn sont un hommage aux idées des impressionnistes sans chercher pour autant à imiter leurs œuvres.

Post-Impressionism Enters the Art World

Le mouvement postimpressionniste a été mené par de nombreux peintres qui sont encore considérés comme des maîtres aujourd’hui. Cézanne, Van Gogh, Seurat et Gauguin sont quelques-uns des artistes les plus connus du mouvement.

Il y a un fort croisement entre les deux styles artistiques. Alors que les post-impressionnistes valorisaient toujours les décors pastoraux, les couleurs vibrantes et un départ du réalisme, ils différaient des impressionnistes en termes de contenu.

De nombreux peintres post-impressionnistes ont privilégié le symbolisme et la structure dans leurs œuvres, en se concentrant sur la signification de certaines couleurs ou images.

« La nuit étoilée » de Van Gogh et sa série de peintures de champs de blé montrent l’importance qu’il accordait à sa palette de couleurs, avec des tons plus prononcés qu’en réalité.

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“The Starry Night”; Vincent van Gogh, 1889
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“Wheat Field with Cypresses”; Vincent van Gogh, 1889

« Golden Field » de Réhahn met l’accent sur l’intensité des ors et des bleus présents dans la nature, que ce soit dans les champs de blé de France ou dans les rizières du Vietnam.

Impressionism in Vietnam
“Resting Gold” - Hoi An, 2021

Thèmes de l’impressionnisme et du post-impressionnisme

La série de nénuphars de Monet est sans doute l’une des peintures les plus populaires issues du mouvement impressionniste. Ils ont été reproduits tellement de fois qu’il est facile d’oublier le travail qui y a été consacré. Monet a peint son jardin d’eau à Giverney pendant près de trois décennies. Obsédé par la nature délicate de ces plantes, qu’il importait d’Amérique du Sud et d’Egypte, il cherchait sans cesse à les voir d’un autre œil.

“Waterlilies 27” - Claude Monet - 1919
“Waterlilies 27” – Claude Monet – 1919

Il est naturel que ce jardin d’eau ait également donné lieu à de nombreuses œuvres explorant les reflets. Dans le symbolisme, les réflexions reflètent l’idée de vérité. Dans le mouvement
impressionniste, les panters utilisaient des reflets pour voir la nature
éphémère de la lumière à travers une nouvelle lentille.

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“Impression”; Claude Monet, 1872

Turner, Manet, Cézanne, Caillebotte et Cassat ont tous exploré les réflexions de différentes manières, sans être limités par le besoin antérieur de rester réaliste.

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Gustave Caillebotte, in barca a terres, 1877
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“Summertime”; Mary Cassatt, 1894
Impressionism in Vietnam
“Echo” , 2020

Les themes des peintures impressionnistes varient, des images pastorales aux scènes de la ville, aux portraits, mais elles partagent toutes le concept de re-créerle sens d’une scène plutôt qu’une représentation fidèle de la vie.

Les postimpressionnistes tels que Van Gogh et Cézanne ont déplacé l’attention vers la réalité intérieure des artistes. Même leurs paysages étaient des représentations intimes de leurs états émotionnels. Grâce à l’utilisation de la couleur et du pinceau, nous pouvons avoir une idée du sentiment qu’ils espéraient dépeindre. Ces maîtres peintres ont choisi d’utiliser des couleurs primaires qui ont rempli leurs toiles d’une énergie vibrante. Leur utilisation de la théorie des couleurs comprenait la création d’un équilibre grâce à des couleurs opposées telles qu’un bleu froid avec la chaleur du jaune ou de l’orange.

La sensibilité émotionnelle des œuvres postimpressionnistes a créé un pont entre l’art des impressionnistes et celui des expressionnistes.

Impressionnisme au Vietnam

Les paysages ouverts, les pâturages paisibles et les cours d’eau remplis de nénuphars du Vietnam rappellent les images sereines de Pissarro, Van Gogh et Monet.

Les dernières œuvres de Réhahn se sont concentrées sur les environnements naturels facilement accessibles depuis sa maison. Photographier encore et encore la même scène avec une lumière, des saisons et des objectifs différents transforme un lieu spécifique (comme un étang de nénuphars ou une rizière) en une intention artistique.

Réhahn a cherché à capturer la magie éphémère de la lumière et de l’ombre dans les environnements naturels autour de sa maison à Hoi An, au Vietnam. L’œuvre qui en résulte célèbre l’atmosphère de réflexion de cette époque où le contact humain avec la terre était plus réduit donc la nature prospérait davantage.

Impressionism in Vietnam
"Life Trace", 2020
Impressionism in Vietnam
“Marigold Morning”, 2019

Les reflets, les bords doux et la lumière floue de ces nouvelles photos se démarquent nettement des portraits et des photographies de style de vie pour lesquels il est devenu connu. Pourtant, ces œuvres deviennent rapidement des best-sellers. Les images se concentrent sur la texture, la forme et la couleur pour créer une atmosphère de tranquillité.

Comment utiliser l’art inspiré de l’impressionnisme dans votre espace

Les images lumineuses et colorées des peintures et photographies impressionnistes et postimpressionnistes peuvent facilement transformer un espace en un sanctuaire zen. Un format à grande échelle peut aider à agrandir un espace en attirant le regard du spectateur vers la ligne d’horizon naturelle de l’œuvre.

Les couleurs, qu’il s’agisse de l’or vibrant des rizières ou du kaléidoscope de tons que l’on retrouve dans un reflet de coucher de soleil, s’harmonisent facilement avec un décor moderne ou traditionnel.

Le bon art peut créer un sentiment d’importance historique sans sembler enraciné dans le passé.

De l’émeraude au fuschia en passant par le bleu ciel, les couleurs qui caractérisent ces images restent modernes et intemporelles.

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